Site de Michel Ledeuil

Sa rencontre avec le peintre et décorateur autrichien Hans Makart va lui permettre de participer très tôt à un ensemble de projets novateurs comme celui de la décoration des pendentifs du grand escalier du Kunsthistorisches Museum de Vienne.

À 21 ans, il crée son propre atelier et associe son frère qui est un orfèvre ciseleur de talent. Il réalise de nombreuses fresques, allégories et emblèmes dans un style néo-classique.

La précision de ses portraits est renommée et il se voit confier la décoration de murs et plafonds de villas mais aussi de théâtres et édifices publics.

À partir de 1885, son style se différencie progressivement de celui de son frère et il va désormais travailler pour son propre compte tout en restant dans le giron familial.

Mais 1892 est une année terrible qui voit le décès de son père, puis de son frère quelques mois plus tard ce qui provoque la dissolution de la Compagnie.

L'Allégorie de la Sculpture se présente sous la forme d'une superbe jeune femme qui se situe au premier plan.

Cette oeuvre démontre l'inspiration basée sur la culture gréco-romaine avec le portrait d'une cariatide sur un fronton de marbre et le célèbre "tireur d'épine" dont la plus belle copie, en bronze, est exposée dans le musée Capitolin à Rome. 

L'idylle est quant à elle à la mode du temps est d'inspiration préraphaélite dans les postures et dans les coloris.

Il participe à l'élaboration des enjolivures du monumental escalier du Musée National par les ornements des pendentifs qui surplombent l’accès à la coupole dans laquelle se situe aujourd’hui le restaurant du musée.

Les colonnes en marbre, les chapiteaux corinthiens dorés et les fuyantes donnent une impression grandiloquente qui sied parfaitement à l'ensemble du bâtiment.

Les thèmes traités par les artistes sont divers et Gustav Klimt se laisse librement guider par son inspiration et ses fantasmes.

La princesse égyptienne avec les attributs classiques, digne d'Hatchepsout,est magnifique de même que le portrait d'une byzantine avec sa robe couleur or et son allur d'Icone.

La forme du visage et la chevelure fait immédiatement penser à Emilie Flöge dont il s'est peut-être inspiré.  

Il rencontre et prend pour compagne, Émilie Flöge, probablement en 1897. Il a alors 35 ans alors qu'Emilie est à 23, puisqu'elle est née à Vienne dans une famille aisée en 1874.

Elle travaille comme styliste et créatrice de mode dans une maison de couture dirigée par sa sœur aînée Pauline.

Femme d’une beauté et d’un tempérament surprenant, elle deviendra son égérie et l’accompagnera jusqu’à la fin de sa vie en supportant le caractère renfermé du peintre qui passait de longs moments dans le jardin auprès duquel se trouvait son atelier.

Elle est morte à Vienne en 1952.

Il l’a représentée dans de nombreuses œuvres peintures, croquis, fresques. Il existe également un certain nombre de photographies dont celle-ci prise dans son atelier en 1909.

Ils passent une grande partie de l’été dans le Kammer et la région de l’Attersee où il peint ses premiers paysages.

Klimt peint également quelques paysages, privilégiant une toile carrée (comme beaucoup d'artistes de la Sécession), avec une absence totale de personnages, ce qui donne une ambiance de particulière sérénité.

Ces tableaux sont peints « sur le vif » et terminés en atelier.

A partir de 1898, son style si caractéristique s’affirme. Il peint le célèbre tableau Pallas Athéna, qui sera utilisé comme affiche à l'occasion de la deuxième exposition de la Sécession, lors de l'inauguration de l'édifice de Joseph Maria Olbrich.  

Sous un mode ironique, il détourne la représentation traditionnelle d’Athéna, en la montrant sous le visage de la déesse aux traits d'une femme fatale. Ses yeux maquillés nous fixent et la bouche s'efforce de ne trahir aucune expression.

Elle détient dans sa main droite une statuette qui fait penser à son œuvre la « nuda vérita », elle a des longs cheveux roux qui encadrent sur son torse un masque de Méduse.

Elle est parée d’une cote et d’un casque doré. C’est la première fois que l’or rutilant apparaît dans son œuvre. Son inspiration provient peut-être d’un voyage réalisé en terre byzantine.

L’embrassade*** de Gustav Klimt est peinte dans une atmosphère nocturne sous les regards du monde obscur qui entoure les deux amants.

Ils s’aiment et se retrouvent en cachette pour un instant de bonheur. Leur amour est d’autant plus intense qu’il est défendu.

Mais ils se croient solitaires alors que le monde les épie. Non pas forcément pour les calomnier mais parce que chacun sait que les obstacles de la vie, qui sont devant eux, aura raison, un jour, de ce geste gracile et fou.

Ce petit tableau a été réalisé en 1895 et nous reconnaissons le beau visage d'Emilie Flöge et celui, moins connu, de Gustav Klimt lui-même.

Ce dernier, tel un amant de passage, semble sortir d'un buisson et la jeune femme, qui a déjà fermé les yeux, attend le baiser qui lui apportera le plaisir attendu.

Le Baiser*** réalisé en 1907 constitue l’apothéose de son art. Le thème est le même que celui réalisé douze années plus tôt, mais son style a évolué. 

Il est probable qu’il se rapporte au couple qu’il formait avec Émilie Flöge.

Ils vivent ensemble depuis dix années mais, en femme indépendante, elle a poursuivi son métier de styliste. C'est ainsi qu'elle a su garder l'artiste qui était bien connu pour ses aventures féminines.

La jeune femme savoure le baiser de l’homme comme un cadeau qu’elle reçoit de son amant. La couleur teinte or fait apparaître cette scène comme une icône.

La forme ondoyante de la robe décorée de motifs floraux aux couleurs vives donne un éclat de bonheur et la souplesse de la jeunesse éternelle. Un hymne à l’amour. Un instant volé au destin. En effet le danger n’est pas loin. Les amants se trouvent au bord d’un gouffre.

Etreinte de deux amants sur un fond coloré et orné d'arabesque. La tapisserie, la robe de la jeune femme et le peignoir de l'amant se fondent : détail de la fresque d'Aldolphe Stoclet

A la fin de sa vie, il abandonne les oeuvres paysagistes pour s'intéresser davantage à la peinture très intimiste et aux portraits de femmes.

Il réalise des portraits de femmes de grandes dimensions avec des compositions richement décorées pour flatter une clientèle riche et bourgeoise qui lui fait des commandes.

Il dessine aussi de nombreuses scènes de femmes nues ou aux poses langoureuses et érotiques, en tenues extravagantes dans des compositions asymétriques, sans relief et sans perspectives, riches d'une ornementation chatoyante, envahissante et sensuelle.

Ces études ont, pour certaines d'entre-elles, été réalisées en vue d'être insérées dans des compositions plus vastes, mais il s'agit le plus souvent de croquis répondant à des pulsions de l'artiste.